“Je fais des films pour réaliser mes rêves d’adolescent, pour me faire du bien et, si possible, faire du bien aux autres.”
François TRUFFAUT

S’il y a bien une chose à retenir du film d’Ugo Bienvenue, c’est son incroyable capacité à nous réchauffer le cœur. Il y a dans Arco une recette lacrymogène si efficace qu’il est difficile de ne pas terminer les yeux mouillés devant ce récit d’une rare douceur. La relation qui s’installe entre les deux personnages principaux transpire la tendresse des premiers amours d’enfance, comme avait pu le faire Wes Anderson dans Moonrise Kingdom.

Alors oui, l’imprévisible ne se saisit pas sans mal, et il est triste de voir que Guillermo del Toro peine désormais à le saisir sans s’en brûler les mains. Ce n’est pas que le film soit prévisible, bien au contraire. C’est plutôt qu’il souffre de cette volonté intarissable de toujours surprendre et de toujours bousculer son spectateur, mais à quel prix ?

Bref ! Good Boy c'est tout simplement un chien, le fidèle compagnon d'un protagoniste qui démenage dans la maison de son grand-père, et qui va repérer la présence maléfique, essayant au passage de sauver son maitre victime d'une certaine détresse psychologique et qui ne se rend compte de rien.

Sorti en 2005, le film suit le parcours de Sarah (Shauna Macdonald), jeune femme très affectée par la perte tragique de sa fille et de son mari dans un accident de voiture durant le prologue et dont elle est la seule survivante, qui va se lancer avec quelques amies dans l’exploration d’un réseau de grottes en Caroline du Nord, grottes dont elles pensent être les seules occupantes mais qui vont s’avérer infestées de créatures monstrueuses et décidées à les prendre en chasse.

En adaptant l'ouvrage Chien 51 de Laurent Gaudé, le réalisateur prodige de BAC Nord et de Novembre fait un retour percutant au cinéma. Il trace le tableau dystopique d’un Paris où l’intelligence artificielle a développé un poids considérable, révolutionnant notamment le travail des forces de l’ordre.

À l’origine, on allait voir cette nouvelle adaptation de Stephen King sans en attendre grand-chose, certaines adaptations récentes comme le ridicule The Monkey de Oz Perkins, ou Le Croque-Mitaine, oubliable, de Rob Savage nous ont fait reculer, mais comme des merveilles peuvent exister (Life of Chuck de Mike Flanagan), sait-on jamais…

Près de 20 ans après 99 F, le tandem Jan Kounen et Jean Dujardin fait son grand retour avec un film qui ne passe pas inaperçu. À mi-chemin entre fantastique, science-fiction et thriller, L’homme qui rétrécit constitue une épopée fascinante portée par un Jean Dujardin grandiose.

Un an après Hitman, sorti sur Canal+ en septembre 2024 en France, le très prolifique Richard Linklater dévoile Nouvelle Vague, son nouveau film déjà présenté en mai sur la Croisette. Le projet nous propose de suivre Jean-Luc Godard, emblème du cinéma français, sur le tournage de son premier film À bout de souffle (1960).

ien que pour cette raison, ce film restera toujours dans notre cœur. Nous avons espoir que Leonardo DiCaprio projette encore beaucoup d’étoiles dans nos yeux. L’acteur a encore tant à explorer, et nous serons là pour découvrir ses nouvelles métamorphoses. 

Une journée commence au FIFIB, et après une deuxième journée plus calme, on passe vraiment aux choses sérieuses avec un programme plutôt consistant, dont les premières incursions en compétition officielle long-métrage. Tout d’abord, petit tour vers une carte blanche à laquelle on n’avait pas vraiment pu assister jusque-là, réalisé cette année par Malaury Eloi Paisley et décrite ainsi : « Voler la terre c’est voler les corps ».

Ce drame fantastique se concentre sur David et Sarah, deux personnes solitaires qui souffrent d’un passé qui ne cesse de les hanter et dans lequel ils vont replonger par le biais d’un GPS installé dans les voitures qu’ils ont louées à une compagnie pas comme les autres, pour se rendre au mariage d’un ami commun. Et c’est là que tout commence.

Patrice Chéreau le dit lui-même : “On peut ne pas aimer " La Reine Margot”, mais il y a un cinéaste dans ce film, il y a de vrais, de longs moments de cinéma, je le sais”.

Là où le film trouve son chemin, c’est finalement auprès des âmes solitaires. Nino trouve refuge chez ceux qui souffrent aussi d’abandon et de solitude, et c’est ce que Pauline Loquès raconte de plus intéressant, parce qu’il n’y a pas de pire lutte que la solitude ou l’incompréhension sociale. Et bien que notre personnage principal soit en apparence très bien accompagné, il finit par se confier quand revient le silence et qu’il trouve chez l’autre la force de faire face.

ET LA PALME D'OR 2025 EST ATTRIBUÉE À.... ..... Un Simple Accident  de Jafar Panahi, mais un film palmé est-il assurément une réussite ?...

Immense comédie dramatique de 2 h 30, Nadav Lapid propose un film éreintant, inévitablement influencé par les œuvres de Fellini, Östlund et tous ceux qui osent se frotter à un cinéma qui convoque autant la réalité que l'absurdité et l'irrévérence.

En réinventant une nouvelle fois son cinéma, PTA se frotte à une Amérique actuelle qu’il n’a jamais vraiment évoquée. À travers un humour grinçant, il fait le portrait effrayant d’un pays en crise où la division n’est que l’un des nombreux symptômes d’une nation aux portes du fascisme. Il est d’ailleurs très inquiétant que le projet, qui se veut être une satire parfois volontairement grotesque, se rapproche tant de la réalité.

Néanmoins, avec Licorice Pizza, c’est différent. L’amour se présente brusquement. La révélation masculine, Cooper Hoffman, le fils du grand Philip (mascotte du réalisateur), interprète Gary Valentine, une jeune star du petit écran de 15 ans, qui ne tarde pas à user de sa confiance en lui pour essayer de séduire Alana, une photographe de 10 ans son aînée. Bien entendu, si le garçon est très motivé, la jeune femme n’entend pas céder si facilement aux avances de Gary.

Si auparavant Aronofsky n’était pas le plus adepte du divertissement, Pris au piège s’inscrit dans le registre du long-métrage ultra-divertissant, sans véritable cœur émotionnel (cela dépendra de ce qui vous touche le plus), ce qui ne manquait pas dans ses précédentes œuvres, de la plus mineure (Pi ou The Whale) à la plus grande (Requiem for a Dream, Mother!, The Wrestler).

La rencontre des deux personnages principaux avec les ravers, qui formeront bientôt une communauté, incarne la cohabitation de deux univers. C’est là que se situe tout l’espoir – ou tout le désespoir – du film : pour Oliver Laxe, il est urgent de faire communauté, de s’accepter et de se regrouper. Le polyglottisme du récit, reflet des origines du réalisateur, en est l’une des multiples facettes.

écrit par Tom Belarbi--Jean Dernière grosse journée à Cannes, je peine encore un peu à croire être arrivé jusque-là, aussi car avec ce...